大學念的是心理系，畢業後到法國國立音樂院進修小提琴及室內樂，並獲得高級及卓越演奏文憑的左興，返台後，曾有一段時間從事小提琴的教學。一段非傳統音樂本科系的學習路程，給了他一個與眾不同的視野和觀念，從過去音樂演奏會上的錄音經驗，讓他在心底興起一股念頭，他篤信自己若能親自製作與錄製，肯定是能將現場的「聲音」優美地被收錄下來。
跟太太一起經營的專業錄音室 ff studio， 可以說是全台灣最高規格、最高等級的錄音室，挑高六米的高度，以及空間多角度的反響設計牆面，找來國際知名設計師 John Sayers ，使得任何聲音（樂種）的表現突破錄音室的框架，猶如一座擁有完美回聲的音樂廳。
訪談中，左興也提到「其實『錄音』是近年才開始被獨立為一專門的科系，在 2000 年以前，一切還尚未被數位化的那個年代，即使是在 90 年代末期時的錄音，都還是使用盤帶，許多歷史經典的錄音，也都不是真的由專業的錄音師所錄製的；但到 2000 年後，數位化之於錄音產業，如同電子 3C 產品對人們的生活所造成的影響一樣，相當地迅速且震撼。
關於音樂的美感，什麼是音樂？
然而，隨著錄音器材的進步，卻沒有反應同時在錄音師的素養上，因為在每個「聲響」的背後，是有更多「什麼是音樂？」的細節，這也是左興強調的 ——關於音樂的美感，很多部分是無法經過學習錄音的技術而「聽見」，或理解的。他說「錄音——其實是 80% 的藝術，加上 10% 的操作和 10%的物理知識。」
在錄音室的現場，左興也分享了幾個不同的錄音曲目，很明顯地就能比較出錄音師是否真正了解音樂的內涵、樂器演奏的表現，甚至是包含編曲的部分，許多和聲其實是不協調也不合理。錄音師不見得一定都要能夠讀譜，但最核心的東西，也是最基本的，就是對音樂美感的認知是否足夠。
過去的錄音市場其實是十分的壁壘分明，每個錄音室各自擅長的音樂類型都不同，錄製流行音樂的與古典樂的在操作上也不同的，甚至也有錄音師可能連基本的剪接都不會。而數位化之後，市場的需求也跟著改變，對以前的錄音師來說的挑戰也更大，當更多跨界的演奏組合跟曲目出現時，他們也變得適應不良。
除了音樂製作人的身份，同時也是小提琴演奏家的他，因為自己參與過不少跨界的演出，比一般的錄音師要有更多機會去接觸，也更加懂得要如何去處理，不同曲風或組合在錄音時所需要做出的調整。之前曾受左興的邀請，參與過一場在 ff studio 現場演奏的錄音，見識到裏頭那台德國製的，價值四百多萬的史坦威鋼琴的音色，在音控室內與錄音間所聽見的，就臨場感來說有些許的不同，但其音響效果已經超越許多一般的演奏廳。
不以「器材」而是用「音樂」去思考錄音
接著，左興又談到關於錄音更深一層的看法，一般的錄音師頂多只能處理到麥克風之後的事情。不過，實際上在麥克風之前，其實有更多需要注意的事情，像是作品的編曲；當一些非古典音樂的製作或流行歌曲的編曲老師，他們並不懂和聲，這都還無關乎錄音品質的好壞，更多問題是在作品本身。
在「作品」之後，就是「演奏」，琴鍵上指甲的聲音，那些演奏樂器時的「雜音」，究竟在錄音時可不可以有，比例上又該留有多少才算正常？若不清楚樂器的演奏原理，甚至不常聽音樂的人，面對錄音時的「雜音」就會變得無法處理。有些錄音師可能只考慮去調整錄音器材的部分，或是去限制演奏者演奏時的姿勢，這些都非真正懂音樂的人會做出的處理。
要擔任一位錄音師，需要學會的技能很多，盡可能越多越好。就像是導演或總編輯的角色，他們都會有各自擅長的風格處理，但遇到越不熟悉的領域，相對也不容易掌握。
回歸音樂的本質，品味與美感才是關鍵
最終，還是要回歸到音樂的本質。品味與美感，往往才是最關鍵的點；錄音，終究還是一個媒介，技術跟器材仍會不斷更新和升級，若錄音師在「聽覺」的養成過程中，沒有足夠的訓練與養分，是無法做出有質感的錄音作品。
另外，從 ff studio 錄音室的取名就可看出他們的堅持，源自於古典音樂的演奏中的表情術語：極強（fortissimo），同時也象徵著弦樂器琴身上左右兩邊對稱的「f」，還有錄音師們最喜歡的貝多芬「F」大調的第六號田園交響曲。
如此強烈而鮮明的訴求，也讓他們順利許多優秀的演奏家或音樂人合作，包含第十五屆俄國柴可夫斯基小提琴大賽的銀獎得主曾宇謙、伊莉莎白二獎得主成田達輝、長笛大師János Bálint、知名鋼琴家張欽全、大提琴家呂超倫及小號演奏家聶子旂等；跨界到電影圈的合作，錄製侯孝賢導演的《聶隱娘》獲得 2015 年坎城影展「最佳電影配樂獎」再到電玩、電視劇主題曲等，並入圍第三十屆金曲獎，這些不只是得獎的光環而已，更是對錄音品質最好的肯定。
這也是唯有同時身為音樂家，並對音樂的美感有著絕對堅持的錄音師才會有的優異成果。即使唱片產業逐漸凋零，相信帶著「極強」性格的 ff studio，在未來持續會有更多高水準的錄音作品。
（原文刊載於：文藝誌《圈外》ISSUE002：聽覺）
